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Novedades en el Blog

Hace poco recuperé algunas de las muñecas de mi infancia y desde entonces me he adentrado en un mundo apasionante así que decidí incluir en el blog un apartado dedicado a la Muñeca de Famosa.

Nancy

Barriguitas


Otras muñecas

Pepas

Kikas

Diario de viaje: Little Italy 9-3-09

Desde el Puente de Brooklyn pusimos rumbo a Chinatown y Little Italy, lo primero que fuimos a visitar fue el barrio italiano porque la primera vez que fuimos a Chinatown nos fue imposible dar con él pero es que actualmente Little Italy son sólo dos calles.
Little Italy es un barrio que se encuentra localizado en Manhattan llamado así por haber estado poblado en sus orígenes por gran cantidad de inmigrantes italianos.
Antiguamente el barrio incluía las calles Elizabeth, Mott y Mulberry al norte de Canal St., así como el área circundante. A medida que los italo-americanos dejaron Manhattan para trasladarse a otros barrios a mediados del
siglo XX, el vecindario reconocible como “Little Italy” (pequeña Italia) gradualmente ha ido menguando, y la mayor parte del barrio ha sido absorbidas por Chinatown. La parte norte de Little Italy, cerca a la calle Houston, también dejó de ser reconocible como italiano, y finalmente pasó a ser el barrio conocido como NoLIta, una abreviación de “North of Little Italy”.
Actualmente la única zona que aún se puede reconocer como Little Italy es la zona de la calle Mulberry entre Broome y Canal St., que se encuentra llena de unos 40 restaurantes italianos cuyos clientes son, en su mayoría, turistas.
La "Fiesta de San Genaro" es muy típica de la Pequeña Italia. Se lleva a cabo cada mes de septiembre a lo largo de la calle Mulberry entre las calles Houston y Canal y dura 11 días.
Mulberry Street Bar localizado en el corazón de Little Italy fue inaugurado en 1908 y es frecuentado tanto por los neoyorkinos como por los turistas, el pub ha sido objeto de numerosas filmaciones en películas y series de televisión sirviendo como escenario cinematográfico al género de gánsters y del hampa neoyorkina.
Entre las películas más destacadas está "Contract on Cherry Street" de 1977 con Frank Sinatra como protagonista hay una fotografía en el cristal de Mulberry Street Bar. Se rodaron escenas de El Padrino III de 1990 con Al Pacino y Andy García y de la serie The Sopranos de la que también podemos ver un cartel.

Un restaurante reconocido en Little Italy es Umberto's Clam House, inaugurado en 1972 situado en 178 Mulberry St. esquina con Broome St. del que podemos ver una fotografía más abajo.

En el Caffe Roma puedes degustar un capuccino o un café expresso y también la repostería típica italiana. Es difícil encontrar en Nueva York sitios donde hagan un buen café expresso ya que en la mayoría de sitios el café está hecho con cafetera de goteo lo que resulta muy poco efectivo para el europeo que está acostumbrado a cafés fuertes y quiere degustar un buen café.

Una imagen de Little Italy, la verdad es que en poco tiempo recorres las dos calles que actualmente comprende el barrio italiano hubiera estado bien verlo en todo su explendor pero de ésto ya hace muchos años.

Dejamos Little Italy y nos adentramos de nuevo en el maravilloso e impresionante barrio de Chinatown.

Diario de viaje: El puente de Brooklyn 9-3-09

Esa mañana fría y con lluvia fuimos a visitar el Puente de Brooklyn. El día no nos acompañó y las fotos que hicimos restaron toda la magnitud que el puente posee pero a pesar del tiempo tan desapacible el paseo fue muy grato. Hicimos el recorrido en sentido inverso, es decir, fuimos con el metro hasta Brooklyn y desde allí hasta Manhattan paseando por el puente.

El Puente de Brooklyn, conocido inicialmente como "Puente de Nueva York y Brooklyn", une los barrios de Manhattan y Brooklyn en la ciudad de Nueva York. Fue construido entre 1870 y 1883 y, en el momento de su inauguración era el puente colgante más grande del mundo, mide 1825 metros de largo, y la luz entre pilas es de 486,3 metros, record de luz hasta que en 1889 se construye el Forth Bridge, con una luz máxima de 521 m. También fue el primero suspendido mediante cables de acero. Desde entonces, se ha convertido en uno de los símbolos más reconocibles de Nueva York.

El Puente fue diseñado por una firma de ingenieros propiedad de John Augustus Roebling, de Trenton en Nueva Jersey. Roebling y su firma habían construido anteriormente puentes colgantes más pequeños, como el Acueducto de Delaware en Lackawaxen, Pensilvania, el Puente Colgante de Cincinnati en Ohio o el Puente Colgante de Waco en Texas, que sirvió como prototipo para el diseño final del Puente de Brooklyn.

Durante el proceso de construcción, Roebling se fracturó gravemente un pie cuando un ferry chocó contra un muelle; pocas semanas más tarde, murió de tétanos a causa de la amputación de los dedos del pie. Su hijo, Washington Roebling, le sucedió en el cargo, pero sufrió una enfermedad causada por su trabajo en los pozos de cimentación, el síndrome de descompresión o "enfermedad de los buzos". La esposa de Washington, Emily Warren Roebling, se convirtió en su ayudante, aprendiendo ingeniería y comunicando las instrucciones de su marido a los ayudantes sobre el terreno. Cuando el puente se abrió al público, ella fue la primera persona en cruzarlo. Su marido en cambio raras veces visitó su obra, ya que vivía en Trenton, Nueva Jersey.
La construcción del Puente de Brooklyn comenzó el 3 de enero de 1870, y concluyó trece años más tarde, el 24 de mayo de 1883, cuando fue abierto al público. El primer día lo cruzaron un total de más de 1800 automóviles y 150.000 personas. En su construcción se gastaron 15,1 millones de dólares y murieron 27 personas. El Puente está construido con piedra caliza, granito y cemento. Su estilo arquitectónico es neogótico, con sus característicos arcos apuntados en las dos torres laterales.

Pese a que en la época en que se construyó no se realizaban pruebas de aerodinámica a los puentes (esta técnica sólo comenzó a emplearse en los años cincuenta del siglo XX), la estructura abierta del puente evitó que hubiera problemas de estabilidad debido al viento. Además, Roebling había calculado que con los soportes de cable metálico el puente era seis veces más resistente de lo estrictamente necesario, lo que explica que todavía se mantenga en pie cuando gran parte de los puentes colgantes construidos en la misma época han tenido que ser sustituidos.

Por otra parte, durante la construcción se descubrió que J. Lloyd Haigh, encargado de proporcionar el cable para el Puente, había sustituido el elegido originalmente por otro de inferior calidad. Cuando se descubrió el trueque, era demasiado tarde para desmontar la parte ya construida, con lo cual su resistencia se redujo, según los cálculos de Roebling, a sólo cuatro veces la estrictamente necesaria.

En el momento de su inauguración, el Puente de Brooklyn era el puente colgante más largo del mundo (un 50% más largo que ninguno construido anteriormente). Además, durante muchos años las torres que lo sostienen a ambos lados fueron las estructuras más altas del hemisferio occidental. Actualmente, el puente dispone de seis carriles para vehículos (excepto camiones y autobuses, y una pasarela independiente para bicicletas y peatones. Desde los años ochenta, está iluminado por las noches para acentuar su silueta.

Detalle de los arcos apuntados del Puente de Brooklyn

Vista del Empire State Building y el Puente de Manhattan

Detalle de la puerta del edificio de mantenimiento del Puente de Brooklyn. El edificio estaba en Brooklyn.
Una vez llegamos a Manhattan fuimos hacia Chinatown.

Diada de Sant Jordi


Sant Jordi i la princesa de Jaume Huguet, ca. 1459-1475. Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC). Arte Gótico

Central Park: Strawberry Fields 7-3-09

Strawberry Fields se encuentra en Central Park West justo en la calle 72 y delante del Dakota Building. Esta zona del parque está dedicada a la memoria de John Lennon. Lennon vivió en los apartamentos Dakota y fue el lugar donde fue asesinado en 1980. El nombre de Strawberry Fields es también en memoria a la canción que compusieron Lennon y McCartney "Strawberry Fields Forever".

El monumento en si es un mosaico que fue diseñado por Bruce Kelly bajo la supervisión de la viuda de Lennon, Yoko Ono. Strawberry Fields fue inaugurado el 9 de octubre de 1985 el mismo día que Lennon hubiera cumplido 45 años.

El mosaico es una reproducción de un mosaico de Pompeya realizado por alicatadores italianos y fue un regalo de la ciudad de Nápoles. En el centro la palabra "Imagine" una de las más famosas canciones de John Lennon.
Mas de 100 países contribuyeron en el jardín con plantas procedentes de los respectivos países aparte las flores y velas que los visitantes y fans del artista acostumbran a dejar sobre el mosaico.
John Lennon y Yoko Ono acostumbraban a pasear por Central Park y esta zona del parque era uno de sus lugares favoritos justo donde actualmente se encuentra el Strawberry Fields.

El Dakota Building es un edificio de finales del siglo XIX de 1884 y John Lennon junto con su esposa Yoko Ono compraron varios apartamentos. Actualmente la viuda de Lennon aún reside en uno de ellos. Lennon fue asesinado en entrada principal del Dakota el 8 de diciembre de 1980. En la fecha de aniversario del asesinato de Lennon el lugar es casi un centro de pregrinación de los fans del componente de los Beatles.

Diario de viaje: Central Park 6-3-09

Las fotografías fueron realizadas en dos días consecutivos el 5 y el 6 de marzo y puede apreciarse como poco a poco la nieve iba desapareciendo y ese manto blanco que por primera vez vimos a nuestra llegada se iba fundiendo con la tierra y el poco césped que había porque se había quemado con el frío, pasados los días fuimos viendo como el parque iba recobrando cierto color verde.

Imagen al fondo del edificio con dos torres que se encuentran en el lado de Upper West Side y que están en la calle Central Park West.

Uno de los recorridos que hicimos el día 6 de marzo por Central Park fue bordear el gran lago artificial que desde 1994 tiene el nombre de Jacqueline Kennedy Onassis Reservoir.
Su construcción se extendió desde 1858 a 1862 y cubre el espacio comprendido entre la 86th Street y 96th Street. Con una superficie de 42,9 hectáreas, en algunos puntos alcanza una profundidad de 12 metros, y contiene varios miles de millones de litros de agua. El Reservoir es conocido también por la pista para correr de 2,54 km que le rodea, y que acoge cada día a miles de deportistas con un único sentido "one way".

Detalle del edificio y el reflejo de éstos en el lago.

Vista desde el Jaqueline Kennedy Onassis Reservoir de una parte de Manhattan que comprende la 5th Ave a la izquierda y Central Park South hacia la derecha.

Vista de la 5th Ave que está localizada en Upper East Side y el Museo Guggenheim al fondo.

En esta fotografía puede apreciarse como ya casi no queda nada de nieve y la tonalidad que presenta la vegetación es propia del otoño o invierno.

Gorriones en un banco, es impresionante ver como a medida que la temperatura subía la fauna del parque andaba como loca en busca de comida. En los arbustos se concentraban multitud de gorriones y éstos pudieron ser captados en este banco, su piar era constante y a igual que las ardillas de Central Park parecían que andaban alborotados.

Uno de los puentes más bonitos que vi en Central Park y más abajo un detalle de dicho puente. Sus formas sinuosas y más bien redondeadas recuerdan o tienen un cierto aire a la vegetación, los tres lóbulos pueden recordar a los pétalos de las flores. Pero si nos fijamos bien el puente tiene ciertas reminiscencias góticas, los lóbulos recuerdan a la tracería típica de los rosetones góticos así como las figuras geométricas que aparecen en toda la barandilla del puente.

Pasamos casi toda la mañana hasta el mediodía en Central Park y desde allí nos dirigimos al hostal a descansar porque por la noche habíamos quedado con un amigo de mi hermana para descubrir Nueva York por la noche y su ambiente nocturno.

Diario de viaje: Central Park

Central Park situado en el distrito metropolitano de Manhattan tiene una extensión de 3,41 kilómetros cuadrados con forma rectangular.
Central Park linda por el norte con la 110th Street, por el oeste con la calle Central Park West, por el sur con la 59th Street y por el este con la Quinta Avenida. Los tramos de estas calles que pasan alrededor de Central Park son conocidas normalmente con el nombre de Central Park North, Central Park South y Central Park West, respectivamente; aunque la Quinta Avenida conserva su nombre al pasar por el lado este del parque.
El parque fue diseñado por Frederick Law Olmsted y Calvert Vaux, que más tarde crearon el "Brooklyn's Prospect Park".
Mientras que gran parte del parque parece natural, contiene varios lagos artificiales, dos pistas de patinaje sobre hielo y áreas de hierba usadas para diversas actividades deportivas
.

Uno puede pasearse por casi todo Central Park en un sólo día escogiendo diferentes rutas pero preferimos hacerlo en varios días sobre todo para ir viendo como el parque iba cambiando paulatinamente su fisonomía. Llegamos a un parque nevado y con una imagen casi típicamente navideña y poco a poco fuimos viendo como la nieve desaparecía y daba paso a un ambiente casi más propio de la primavera, por lo que dedicaré varias entradas para ir viendo como Central Park fue cambiando.

En la fotografía aparece uno de los edificios más importantes del parque es el Castillo Belvedere. Se trata de un auténtico castillo de estilo victoriano diseñado en 1865. El edificio es en la actualidad la sede del observatorio meteorológico de Nueva York, pero es también es muy apreciado por los turistas debido a la panorámica que ofrece del parque y de sus alrededores. Además, dentro del castillo, el Henry Luce Nature Observatory ofrece una muestra de la fauna y la flora presentes en el parque.

Una imagen del parque totalmente nevado apenas había gente a esas horas y es que eran las 8 de la mañana y sólo estaban las personas que paseaban los perros.

Vista de The Lake uno de los lagos que Central Park tiene situado al sur de Great Lawn entre la calle 79 y la 65. The Lake se extiende sobre alrededor de 7,3 hectáreas y fue construido sobre una antigua ciénaga. Diseñado por Olmsted y Vaux para que en verano fuera navegable por pequeñas barcas y que en invierno estuviera disponible para los patinadores sobre hielo, por este motivo el lago fue abierto a los patinadores en diciembre de 1858 mientras que el resto del parque todavía estaba en construcción.

Una de las cosas que más me sorprendió del parque es la cantidad de ardillas que habían. El primer día apenas vimos alguna pero a medida que la nieve iba desapareciendo empezaron a salir en busca de comida. Algunas se llevaban ramas o hojarasca para adecentar su casa. Si las llamabas se acercaban, son muy curiosas y deben estar acostumbradas a la presencia humana porque no reparaban en acercarse.

Al segundo o tercer día aún quedaba bastante nieve pero en los accesos y caminos ya no quedaba ni rastro. Parte se había derretido pero la gran mayoría había sido retirada por los servicios de mantenimiento del parque que trabajaban constantemente en retirar la nieve y el agua que quedaba encharcada. Por el día la nieve se derritía y quedaban charcos pero al llegar la noche y bajar las temperaturas el agua se congelaba lo que hacía peligroso andar por según que sitios del parque sobre todo por aquellas zonas más sombrías y por donde menos daba el sol.

Diario de viaje: El MoMA (2) 5-3-09

Vassily Kandinsky, Panel para Edwin R. Campbell nº 4, 1914
Esta pintura pertenece a un ciclo de cuatro realizadas en una época en la que artistas de varios países empezaban a explorar lo que Kandinsky, pionero del arte abstracto, llamó pintura "no objetiva", es decir, una pintura que no muestra objetos inmediatamente reconocibles. En lugar de eso, Kandinsky quería que cada una de sus obras fuera "una representación gráfica de un estado de ánimo" Estudios para una de estas obras indican que al concebirla pensaba en un paisaje, e incluso se podría ver en las cuatro un campo, una montaña o una nube pero han sufrido una gran transformación. Análogamente si se describieran las cuatro estaciones, como ha supuesto un experto, sus colores y sus formas abstractas responderían a cualidades intuidas en las fases del año más que a escenas concretas.
Edwin R. Campbell, un empresario del automóvil, encargó la serie para las paredes del vestíbulo del piso de Nueva York donde residía con su esposa Margery. El matrimonio se separó en 1921 y con ellos las pinturas que divididas en parejas pasaron por diferentes colecciones hasta quedar definitivamente reunidas en el MoMA en 1982.

Pablo Picasso, Niña frente al espejo, 1932
Niña frente al espejo muestra a la joven amante de Picasso Marié-Thérèse Walter, uno de sus temas favoritos a comienzos de los años treinta. Su perfil de suave rosa pastel aureolado de blanco parece sereno. Pero se une con una vista frontal del rostro pintada con más aspereza recordando a la luna en fase creciente pero al mismo tiempo tan amarillo como el sol y maquillado con colorete, los labios pintados y los ojos con sombra de color verde. Quizás la pintura sugiera la personalidad diurna de Walter y su personalidad nocturna, su calma y su vitalidad pero también la transición de una niña inocente a mujer mundana y consciente de su sexualidad. Es también una variante compleja de la Vanitas tradicional, la imagen de una mujer frente a su mortalidad en un espejo que la refleja como calavera. A la derecha del reflejo sugiere una radiografía sobrenatral del alma de la niña, su futuro, su destino. La cara está oscurecida, los ojos son cuencas vacías y el cuerpo intensamente femenino está contrahecho y retorcido. La figura del espejo parece más vieja y más angustiada, la niña le tiende las manos como si quisiera unir sus "identidades" diferentes. El papel de la pared de rombos recuerda al traje del Arlequín, el personaje cómico de la Commedia dell'Arte con quien Picasso se identificó a menudo, aquí testigo silencioso de las transformaciones psíquicas y físicas de la niña.

Fernand Léger, Tres mujeres, 1921
En Tres mujeres Léger traduce un tema común en la historia del arte, el desnudo recostado a un lenguaje moderno, reduciendo la figura femenina a una masa de formas redondeadas y un tanto dislocadas, en las que la piel no es blanda sino dura incluso rígida. La precisión mecánica y la solidez que da a los cuerpos de sus mujeres concuerdan con su fe en la industria moderna y su esperanza de que el arte y la era de la máquina rehagan juntos el mundo. El equilibrio geométrico de esta pintura, sus listas negras y sus recuadros blancos sugieren que Léger tenía conocimiento de Mondrian, un artista que empezaba a triunfar en ese momento. Otra nota estilística es el regreso a variantes del clasicismo que fue general en el arte francés después del caos de la Primera Guerra Mundial. Aunque pulidos y abrillantados, los volúmenes simples de las figuras de Léger no dejan de insertarse en la tradición de los clasicistas del siglo anterior. Un grupo de mujeres desnudas tomando té o café puede también recordar escenas de harén como las que pintaba Ingres, aunque allí la bebida pudiera ser vino. Léger también actualiza el ambiente, un piso elegante, decorado a la última moda. Y las mujeres de melena plancahda a un lado tienen un glamour hollywoodiense. Esta pintura es como un bello motor cuyas partes se engranan con suavidad y armonía.

Umberto Boccioni, Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913. Bronce vaciado en 1931
En formas únicas de continuidad en el espacio Boccioni da forma escultórica a la velocidad y a la fuerza. La figura avanza y sus líneas desbordan los límites del cuerpo, se rizan en líneas curvas y aerodinámicas como moldeadas por el viento a su paso. Boccioni estuvo dos años desarrollando esas formas en pinturas, dibujos y esculturas con estudios rigurosos de la musculatura humana. El resultado es un retrato tridimensional de un cuerpo poderoso en acción. A comienzos del siglo XX fue como si la velocidad y las fuerzas inéditas de la maquinaria engendraran una energía social radical. Más tarde las nuevas tecnologías y su ideario revelarían aspectos amenazadores pero para los artistas futuristas como Boccioni fueron muy tonificantes. Innovador a ultranza, ni él mismo estuvo a la altura de su ambición. En 1912 había denostado la sumisión de la escultura a "la imitación ciega y cerril de las fórmulas heredadas del pasado" y sobre todo al "peso oprobioso de Grecia" pero Formas únicas de continuidad en el espacio tiene un parecido profundo con una obra clásica de hace más de dos mil años, la Victoria de Samotracia. En la Victoria de Samotracia la velocidad está impresa en los paños de piedra que envuelven la figura. Aquí es el propio cuerpo lo que se remodela como si las nuevas condiciones de la modernidad alumbraran a un hombre nuevo.
Andy Warhol, Latas de sopa Campbell, 1962
"Yo no creo que el arte deba ser sólo para unos pocos escogidos", decía Warhol, "yo creo que debe ser para la masa del pueblo americano". Como otros artistas pop, Warhol empleó imágenes de atractivo ya probado para los grandes públicos: historietas, anuncios, fotografías de estrellas de rock y de cine, fotografías de la prensa sensacionalista. En Latas de sopa Campbell reprodujo un objeto de consumo masivo en el sentido más literal. Cuando expuso por primera vez estos lienzos, son treinta y dos, tantos como variedades de sopa que en aquel momento fabricaba la marca, cada uno estaba colgado de la pared como un cuadro y simultáneamente apoyado en una repisa como los artículos en una tienda de comestibles. Repitiendo la misma imagen a la misma escala, los lienzos subrayan la uniformidad y ubicuidad de la lata Campbell. Al mismo tiempo subvierten la idea de la pintura como medio de invención y originalidad. Esta clase de repetición visual la empleaban desde mucho antes los publicitarios para grabar los nombres de los productos en la mente del público, aquí sin embargo no implica competencia enérgica sino abundancia satisfecha. Fuera de una galería de arte, la etiqueta Campbell, que no había variado en más de cincuenta años, no era un reclamo sino una trivialidad. Warhol dijo de la sopa Campbell: "Yo la tomaba. Comía lo mismo todos los días, calculo que veinte años estuve comiendo lo mismo una y otra vez".
Detalle de uno de los lienzos

Andy Warhol, Marilyn Monroe de oro, 1962
Marilyn Monroe era una leyenda cuando se suicidó en agosto de 1962 pero retrospectivamente su vida parece un lento martirio por parte de su público y de los medios de comunicación. Después de su muerte Warhol basó muchas de sus obras en una fotografía suya, siempre la misma, un fotograma de anuncio de la película Niagara de 1953. Warhol pintaba el lienzo de un color uniforme, turquesa, verde, azul, amarillo limón y después serigrafiaba encima la cara de Marilyn, unas veces sola otras duplicada y otras multiplicada formando una cuadrícula. El fondo dorado de Marilyn Monroe de oro, es la única de las Marilynes de Warhol donde utiliza este color, recuerda a las imágenes religiosas de la historia del arte cristiano, si bien la obra infunde un atractivo morboso a esa resonancia. Al multiplicar esta fotografía de una heroína compartida por millones de personas, Warhol negaba el concepto de singularidad de la personalidad del artista que estaba implícito en la pintura gestual de los años cincuenta. Empleó además una técnica comercial, la serigrafía, que comunica a la imagen un aspecto nítido y artificial; al mismo tiempo que Warhol canoniza a Monroe revela que su imagen pública es una ilusión cuidadosamente estructurada. La cara de Marilyn Monroe de oro con este aire de glamour de los cincuenta tiene mucho de coincidente con la propia estrella: brillo intenso pero pasajero, rotunda pero vulnerable, dominante pero escurridiza. Rodeada de vacío es como el fundido final de una película.

Selección de algunas de las obras que se exponen en el MoMA. Fotografías realizadas por Ольга, marzo 2009.

Diario de viaje. El MoMA (1) 5-3-09

Fachada del MoMA con el reflejo de los edificios. El MoMA es considerado el santuario del arte contemporáneo y recorrer sus salas supone para el visitante y sobre todo para los entusiastas en el arte toda una experiencia.

La historia de este museo comienza en 1929 cuando un grupo de personas de finanzas vinculadas al mundo del arte y de las letras de Nueva York deciden crear un museo de arte moderno para exponer las obras de los maestros más importantes de la vanguardia artística y poner al alcance del público el arte del siglo XX, que por aquel entonces, aún seguía manteniendo tintes muy elitistas. No solamente se centró en pintura sino que dio cabida a otras disciplinas artísticas exponiéndose diseño industrial, arquitectura, escultura, dibujo, cinematografía, grabado y fototografía.

Situado en el número 11 de West St. con la 53rd St. de Nueva York el MoMA abrió sus puertas en el verano de 1929. Se fundó como una institución privada, beneficiándose de las donaciones de sus miembros o de empresas lo que marcó una pauta a otros museos y extendiendo las fronteras del arte a otras disciplinas no admitidas en otras galerías.

En 1934 se produce el arranque definitivo del museo cuando las esposas de tres multimillonarios, Abby Aldrich Rockefeller, Lillie P. Bliss y Mary Quinn Sullivan donan obras de artistas que no eran admitidos en otros museos de Nueva York. Se empezó a recibir donaciones que hizo aumentar la colección y su popularidad como la de A.C. Godyera o S. C. Clark. De esta forma el museo pudo salir de la desastrosa situación vivida en 1932 cuando solamente contaban con seis cuadros, ocho esculturas y dos dibujos.

El actual edificio fue diseñado por los arquitectos Philip Goodwin y Edward Durrell Stone.
En 1939 las obras ya no cabían en el edificio por lo que ambos arquitectos recibieron el encargo de proyectar un nuevo muso en el centro de Manhanttan de forma que hubiera espacio para las obras y las que irían engrosando la colección. Se obtuvieron más de 25 millones de dólares en donativos.

En las décadas de 1940 y 1950 se produjo un considerable aumento de las adquisiciones con lo que se crearon dos partes, la experimental y la permanente, destinadas a recoger el arte de vanguardia y obras de reconocido prestigio.
El MoMA desde su apertura ha sido objeto de múltiples renovaciones y ampliaciones, la primera en 1962, debido al problema de saturación de obras se optó por no abandonar su céntrica ubicación y se edificó un edificio nuevo inaugurado en el barrio de Queens; otra renovación fue en 1984 cuando se añadió una nueva ala por el oeste y se reacondicionó el interior incorporándose también teatros, oficinas, restaurantes y un jardín.


El exterior se caracteriza por un armazón de aluminio ligero y cristal con grandes franjas horizontales de ventanas. La entrada está cubierta por una marquesina hecha de Thermolux, un material traslúcido. La fachada del edificio compuesto por cuatro plantas se abre al Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden, un apacible jardín con esculturas de Auguste Rodin, Alexander Calder, Neverson y Maillo y una sala de cine.

En la planta baja se proyectan películas y en la primera se realizan exposiciones temporales. La segunda planta está principalmente dedicada a la pintura y escultura comprendida entre 1880 y 1950 con obras del Cubismo, Futurismo y Constructivismo, también encontramos una sección dedicada a la fotografía.
En la tercera planta se encuentra la sección dedicada al arte de posguerra donde se exponen obras de Francis Bacon, Dubuffet, Jackson Pollock, Mark Rothko entre otros, junto con una colección de grabados.
La cuarta planta está dedicada a albergar una importante sección de dibujos modernos en la que están especialmente representadas la escuela de París, el Dadaísmo y el Surrealismo. En otra zona está parte de la arquitectura y diseño.

En 1999 el museo se fusionó con el Centro P.S. de Arte Contemporáneo de la ciudad norteamericana de Long Island.
El 20 de noviembre de 2004 se inauguraba el MoMA tras completar el proyecto de expansión más ambicioso de su historia. Diseñado por el arquitecto japonés Yoshio Taniguchi llegando a duplicar casi su capacidad de 35.000 a más de 58.000 metros cuadrados y en la que se albergan grandes salas que ofrecen un espacio suficiente para exponer obras de impresionistas como Monet.

En sus seis plantas se exponen 135.000 obras de arte, tanto permanentes, entre las que se encuentran una gran colección donada por la familia Rockefeller, como temporales.
La colección de objetos de diseño industrial está formada por más de 3.000 artículos que comprenden desde mobiliario doméstico hasta objetos de la industria textil, coches e incluso un helicóptero. Respecto a las artes gráficas el museo guarda cerca de 4.000 ejemplares de carteles y trabajos con tipografía. En cuanto a los dibujos acoge una de las mayores colecciones del siglo XX. Más de 6.000 trabajos sobre cartón o papel se recogen en los archivos. Contiene una colección desde dibujos a lápiz y tinta o carbón vegetal hasta acuarelas o trabajos que entremezclan diferentes técnicas.

En 1940 se creó un departamento de fotografía que actualmente contiene 25.000 imágenes, la más antigua data de 1840. Recoge cuatro millones de fotografías de temas tan diferentes como la fotografía periodística, la científica, empresarial o la artística.
En 1943 también se fundó la videoteca y la filmoteca que contiene más de 14.000 películas. Entre ellas destacan los negativos originales de la "Biograph" y de otras empresas de Thomas Edison, sin dejar de lado la mejor colección del mundo sobre el director D.W. Griffith y sus obras maestras en la cinematografía "Intolerancia" de 1916 y "El nacimiento de una nación" 1915
En 1996 se inauguraron los fondos de la filmoteca almacenados en el Centro de Conservación de Películas de cine de Celeste Bartos.
Casi 40.000 copias de libros históricos y contemporáneos, así como 140.000 volúmenes entre libros de artistas y revistas, todos ellos incluidos en la Biblioteca del Museo.

Indudablemente la pintura y la escultura tampoco se queda atrás. Aparecen 32.000 obras desde el siglo XIX hasta el presente y dos de los artistas más visitados son Paul Cézanne y Vicent Van Gogh. Entre las obras más destacadas se pueden señalar "Los nenúfares" de Claude Monet, "las Señoritas de Avignon" de Picasso entre otras muchas.

Uno de los aspectos más importantes que definen al MoMA de Nueva York es que se trata de una institución educativa sin ánimo de lucro, cuyos fondos provienen de la administración, de cuotas de socios y de la venta de sus publicaciones.